Iniciamos nuevamente la temporada de reflexiones del FestLDC, desde donde queremos poner en palabras las reflexiones, talentos y proyectos de los profesionales de la industria de las artes escénicas. Y lo iniciamos con un grande, como Guillermo. Aquí os dejamos esta breve entrevista que esperamos que os ayude a conocerle un poquito más.

¿Nos podrías dar un titular sobre tu trabajo y/o recorrido?

Guillermo Weickert es coreógrafo, director de escena, intérprete y docente de danza contemporánea con una dilatada trayectoria profesional marcada por una profunda y apasionada curiosidad por el potencial de la creación escénica como bien cultural y herramienta de transformación social.

¿Qué es para ti la dramaturgia y cómo crees que se complementa con la danza? ¿Pueden ser concebidas como independientes?

Si atendemos a una posible definición de dramaturgia escénica como “el proceso que organiza el mundo de la escena en cuanto a su condición de posibilidad de existencia como acontecimiento ( el tiempo, ordenamiento temporal que guíe el ordenamiento de las acciones y la espacialidad)”, creo que es obvio que en este sentido las necesidades son comunes a una obra teatral o dancística.
Pero, más allá aún de eso, la dramaturgia es un proceso de elaboración de un sentido, de compactar un mensaje, articularlo y compactarlo de la manera más eficiente posible. Y me refiero a eficiencia en el aspecto de acercarlo lo más posible a los deseos del creador y a sus objetivos a la hora de realizar dicha creación. Para mí es algo indivisible del resto de la creación.
En cuanto a posibilidades, me gusta pensar que todo es posible, dependiendo del deseo del creador: desde no contar con una visión dramaturgia en absoluto, o desarrollar la creación de la obra y de su dramaturgia en paralelo y continuo diálogo, o a priori o a posteriori. Se trata de abrir posibilidades, nunca de cerrarlas ni de crear códigos de cierre.

¿Añade la dramaturgia una dimensión conceptual y comunicativa a la danza?

Evidentemente. Es un proceso de construcción de significado. O de hacer visibles los que subsanen, de hacerlos emerger de una creación que quizás no haya seguido una línea conceptual metódica o previa pero que desde la intuición del creador revela una serie de temas, mensajes que pueden permanecer ocultos. No siempre estos mensajes tienen por que ser revelados o explicitados, pero, personalmente, me parece muy importante ese proceso de traerlos al consciente, mirarlos y observarlos con cierta distancia… se produce una toma de consciencia que es siempre importante, pero en nuestro días , quizás más. Cuando no lo hacemos, a veces seguimos postergando valores y mensajes con los que ni siquiera seguimos estando de acuerdo, pero que se pueden automatizar o colar a través del código o el lenguaje. Y sobre todo, para mi es un proceso gozoso de seguir abriendo y explorando la potencialidad de nuestra práctica y reforzar el deseo comunicativo y expresivo de cualquier arte. De todos modos, me parece necesario reiterar que cada creador tiene que tomar sus propias decisiones y descubrir sus propias necesidades. añadir esa capa dramaturgia no tiene por qué ser ni mejor ni peor de cara al resultado final. No me gustaría que se entendiera de ese modo.

¿Coinciden tu proceso y metodología a la hora de afrontar un trabajo de investigación y desarrollo en una propuesta de danza y una de dramaturgia?

Mi método es no tener método. Cada producción, cada dirección, cada dramaturgia, cada proyecto, supone un nuevo modus operandi. Es lo que más disfruto: estudiando cada nuevo reto sin mapa, ir trazándolo a medida que lo exploro y no dar nada por sabido de antemano, confiar en los recursos pero desprogramar la mente racional que quiere enseguida evitar la pérdida y sentirse a salvo rodeándose de de lugares comunes y conocidos.

¿Cómo se transforma según la condición individual o de colaboración de la composición?

Para mi todas las creaciones son colaboraciones artísticas. Incluso las que realizo en solitario, las hago en diálogo y colaboración con unos referentes que “trabajan” conmigo incluso aunque ellos no lo sepan. Ése fue un consejo de PHelim Mc Dermott, director de Improvable Theatre durante los encuentros COLINA (Collaboration In Arts) en Newcasttle 2007. Y tengo que reconocer que desde entonces no he parado de aplicarlo conscientemente y es maravilloso. De todos modos, aunque en alguna fase de según que creación (o composición , como la llamas) pueda trabajar sólo, me siento incapaz de trabajar si equipo. AL menos siempre con el acompañamiento de Toni Hurtado, que desde El mandaito Producciones SL es mi sparring de muchas maneras diferentes, o al menos en conversaciones con mis pilares , María Cabeza de Vaca, Jose María Sánchez Rey, últimamente también Javier Martínes y Marta Morera de Lugadero… Me parece terrible no tener al lado personas y profesionales que te puedan alumbrar, sostener, confrontar o acompañar en cualquier proceso creativo. Puedo admirar a los creadores que trabajan en soledad y de manera individual, pero no los envidio en absoluto.

¿Qué te sugieren las palabras que se muestran a continuación?

GESTO: La primera coreografía de la psique profunda
PENSAMIENTO: La actividad más importante del cuerpo después de las funciones vitales
SÍMBOLO: “El fin de los rituales” de Byung Chul Han comienza así: “El símbolo, palabra que viene del griego symbolon, significaba originalmente un signo de reconocimiento o una contraseña entre gente hospitalaria ” Adoro ese referente . Valga de definición.
MOVIMIENTO: La manifestación visible del encuentro entre nuestras energías más poderosas: la mental, la psíquica, la emocional, la intuición y todas lasque configuran nuestro ser.

Y PARA TERMINAR: ¿Qué te hace REFLEXIONAR últimamente?

La manifestación visible del encuentro entre nuestras energías más poderosas: la mental, la psíquica, la emocional, la intuición y todas lasque configuran nuestro ser.

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